La protagonista Sabina Rivas, maravillosamente actuada por la actriz venezolana Greisy Mena – es el centro de una realidad que ocurre y seguirá ocurriendo, mientras no se le ponga un alto a las atrocidades que se cometen en la frontera del sureste mexicano. Confieso que aún no leo la novela, pero después de ver la película, es obligado hacerlo, no para hacer comparaciones absurdas – ya que el cine es un ente propio – pero sería interesante saber qué tanto el escritor Ramírez Heredia retrataba  a ‘los tatuados’ (como les llaman en la película) hace cerca de diez años, y ver cómo entonces la fantasía puede quedarse corta a lo que en recientes fechas acontece dentro y fuera de territorio mexicano.

El ‘American Dream’ es para Sabina Rivas más que un sueño, es poner en juego la vida misma. Mandoki sabe lo que hace, y los recursos que empleó para esta película son verdaderamente asombrosos. Es así como podemos analizarla desde varios aspectos: antropológico, periodístico, literario, cinematográfico; pero, eso sí les digo, en las salas de cine la gente enmudece. La injusticia, el dolor y la pena; a un lado de mi, una señora como de 75 años movía la cabeza en señal de reprobación, algunos lloraban y hasta el sarcasmo, sólo daba para algunas muecas. ¿Por qué? Porque se tocan fibras nada ajenas, ya que se nos retrata, a las autoridades mexicanas, a las norteamericanas, y también a parte de la sociedad, esa que somos todos, en la que nos transformamos en monstruos.

Sin embargo, siendo muy críticos, y extremadamente cuidadosos en ello, debemos entender que ‘pertenecer’ a una sociedad, pandilla, ghetto, o como le quiera usted decir, la Mara Salvatrucha, significa sobrevivencia y deseos de identidad. No es fácil de asimilarlo, pero así son las cosas.

El inmigrante centroamericano tendrá que pasar las más duras pruebas: La corrupción de los agentes de migración coludidos con La Mara, comadronas que engañan a las chicas para sumirlas en la prostitución, las caídas del tren conocido como ‘La Bestia’ o ‘El tren de la muerte’, dealers de drogas, y a los integrantes de La Mara, quienes los vejaran al grado de no querer haber nacido.

¿Entonces, cuál es el camino? Al parecer, sólo sobrevivirá el más fuerte, al modo de Sabina Rivas.    Twitter@kareninadiaz

Al pasar de los años, ahora soy yo la que puedo estar en el papel de esa maestra. Les cuento: Después de varios años de no ejercer la docencia, ahora la retomo y, como esas cosas en donde la vida te vuelve a poner en sitios en donde haz dejado cuentas pendientes, ahora debo cumplir ¿saben por qué? Porque tuve que dejar hace siete años a los que entonces eran mis alumnos, para dedicarme a otro rol importantísimo que es ser mamá. Y ahora, quizá ellos no lo sepan, pero ellos ahora son un nuevo reto, y una motivación muy personal e importante, para compartir conocimientos, compartir tiempo, risas, enojos, secretos, y en donde caben esos espacios de preguntas como estas: “¿Maestra, qué libro me recomienda leer? Me gustan esa clase de preguntas, y las que nos involucran como seres humanos, sensibles y emocionales que somos.

El cuidado que uno ofrece a un hijo, a una flor, a una pareja, a una mascota, a algo que amamos, estoy segura que es el mismo cuidado que debemos poner también a todo lo que aborrecemos. Les explico: En esta semana escuché en la radio a un experto en desarrollo humano, quien aseguró que el mejor maestro en la vida era el ‘error’, porque de ese nadie se salva  – el mejor punto de dónde partir para ser mejores-  y además habló de la obesidad intelectual, es decir, de esa exigencia por conocer más, de tener muchos diplomas y nombramientos que hace que perdamos el verdadero sentido de la vida.

¿Y cuál es el sentido de la vida? A mí no me lo pregunten, yo también lo estoy descubriendo, pero en algo sí le doy la razón al experto, la Realidad es lo único que tenemos, no deberíamos perderla de vista, por más dura que sea. La vida es nuestra principal maestra, ni quién lo dude; mientras tanto, continuaré preparando mis clases con alegría, a veces con cansancio, pero nunca, nunca, sin dejar de poner el corazón.

La exposición El Placer y el Orden es el resultado de una museografía, principalmente del Siglo XIX en Francia, de manera que pocas veces podemos deleitar nuestra mirada con obras de: Claude Monet, Paul Cézanne, Pierre-Auguste Renoir, Auguste Rodin, Henri de Toulouse-Lautrec y Paul Gauguin, entre otros.

Es importante decir que aunque son muy pocas piezas, se trató de dar una pincelada de las principales corrientes artísticas del Siglo XIX, sobre todo con el Impresionismo, impuesta con sus principales exponentes: Manet, Renoir y Paul Gauguin, éste con el cuadro En Tahiti, mismo que fue la imagen para anunciar la exposición, de hecho fue una de las piezas más visitadas. El Impresionismo gusta mucho por la luz en todo momento, su trato en los colores, que ya no dan ese tono oscuro – que en su caso el Realismo tiene como preferencia-  incluso en algunos paisajes, los más famosos, como los de Jean François Millet. Por otro lado, desgraciadamente,  sólo se pudo traer una escultura de Auguste Rodin, y no hubo nada de Van Gogh, porque esas son piezas que se esperan siempre, sobre todo si provienen del Musée d’Orsay, eso es lamentable, pero bueno.

Como parte de la museografía, se escribieron en las paredes algunas citas, les comparto una, extraída del libro de Marcel Proust El Tiempo Recobrado (1927) – puesta a un lado de un florero pintado por Paul Cézanne: “Una hora, no es solamente una hora, es un florero rebosante de perfumes, de sonidos, de proyectos y atmósferas”.

La exposición también quiso darle un espacio temático, en donde hay fotografías de la época, del París de la Belle Époque. Asimismo, el recorrido se completa con una videoproyección de la Torre Eiffel inaugurada para la Exposición Universal de 1889, y con una selección fílmica de los hermanos Lumière, así como un gabinete fotográfico en torno a la vida cotidiana de la época.

Esta exposición estará hasta el 20 de Enero de 2013. El sitio del museo es: http://munal.mx

Manel Pujol Baladas, nació en Vic, Cataluña, en1947, alos 14 años de edad emprende su preparación artística en las academias de bellas artes, y poco más tarde conoce a Joan Miró, a quien considera como el más centrado de estos tres personajes, ya que Miró “era el más honesto con sus ideales políticos, el más puro en su forma de actuar y de pensar”.

“Picasso nunca se cambió de chaqueta, también tenía claros sus ideales políticos. Supo mirar diferentes culturas, tenía una estética propia. Sabía leer un libro y dejarlo sin letras”, dice Manel.  

 Recordemos que durante la España franquista, era muy importante saber de qué bando se era, pues la comunidad artística e intelectual –con justa razón – era celosa de esos pensamientos, los cuales estaban muy ligados al proceder de una generación que rompió para trascender, y que además estaba comprometida con el destino de una Nación. En este sentido, Salvador Dalí fue el menos apegado, y cambiaba de bando, según le convenía “era el que menos convicciones tenía, a él le importaba el dólar. Él fue anarquista, republicano y hasta franquista. Es toda la antítesis de lo que yo pienso de un ser humano”, afirma Pujol. Con este comentario de Manel Pujol, ahora entendemos el por qué André Breton expulsó a Dalí de su círculo surrealista; de esto ya hace 76 años.

Entonces el artista debe ser un individuo político, responsable de la sociedad en la que vive: “el que es artista es artista, implicado, es un ser humano político, no sólo un artista de brocha fina”. En este sentido, al preguntarle su opinión de los movimientos como el M-15 en España, opina que la derecha que está ahora en el poder es una “derecha intransigente, de dictadores con careta de democracia…España votó mal”.

Manel Pujol Baladas, fue invitado a participar en una exposición en México hace más de diez años, y desde entonces se quedó a radicar en la ciudad de México, con mucha actividad, ya que su obra se expone continuamente en los museos y galerías más importantes. Su obra es muy interesante y lograda maravillosamente en la abstracción, hipnotizado por compositores como Vivaldi, Shostakovich, Jean Sibelius, Gustav Mahler; los mexicanos: Carlos Chávez, Moncayo y Silvestre Revueltas. Su website: www.pujolbaladas.com

Me gusta El Principito, porque evidentemente el autor sabía de símbolos y arquetipos, en cada uno de los planetas el pequeño se encontrara con un personaje parecido a cualquiera de nosotros. El Principito se encuentra con un farolero, quien no descansa y se queja de ello, vive en un planeta demasiado pequeño, a penas tiene tiempo de prender y apagar el farol, y el día y la noche suceden en un abrir y cerrar de ojos. En otro planeta, el Principito se encuentra con un bebedor, quien nunca supo explicarle por qué bebía, sólo contestó que para olvidar:

- Para olvidar qué – inquirió el Principito, que empezaba a compadecerlo.

- Para olvidar mi vergüenza – confesó el bebedor, bajando la cabeza.

Pero volviendo al zorro, por qué le dijo que crearan “lazos”, si para algunas religiones, sobre todo las orientales, “el apego” es un comportamiento que debe ser aniquilado de nuestra esencia, pero ¿cómo? Lo entendemos perfectamente cuando hacemos esta lectura de Antoine de Saint-Exupéry, cuando el Principito –después de haber viajado, y conocido el mundo, distintos planetas, a distintos hombres con sus manías, y verdades absolutas – recuerda que debe regresar a su Asteroide B612 porque debe cuidar a su rosa. La rosa y los Baobabs son lo único que posee el Principito, y sus dos volcanes. La rosa es quien le habla y quien le pide alimento y cuidados, éstos tan delicados y caprichosos como los de una mujer. Es la analogía de lo duro de despegarnos de nuestra gente cercana, nuestros amigos, nuestra familia, los hijos, las mascotas, las cosas materiales. ¿Y si fuéramos tan libres como para soltar eso y viviéramos un día sin que nada ni nadie nos importara, seríamos felices, nos sentiríamos bien? Creo, francamente que no todos estamos preparados para una vida de ermitaños, o de ascetas viviendo en la selva o en las montañas.

Un año le bastó al Principito para viajar y conocer, entre otros, al mismo autor, al único habitante de la Tierra, en medio del desierto del Sahara, lugar en donde Antoine de Saint-Exupéry está ajustando su avión descompuesto. El desierto, sitio simbólico, donde también se encuentra con el personaje antagonista de la historia, la serpiente –astuta y sigilosa como todas las serpientes – quien hace una de las respuestas más interesantes del libro: – También uno se siente solo entre los hombres.

Me gusta el Principito porque es una lectura fácil y realmente ilustrativa de cómo somos en cada etapa los humanos. Recordemos que el Principito no vive en el planeta Tierra, pero en cada una de las visitas que tuvo en los demás planetas tiene ese fuerte contacto con los adultos. Cuando uno deja de pensar como niño, perdemos la capacidad de ver en un dibujo todo un mundo imaginario. Por eso, estoy segura que los artistas tienen algo de niños en su interior que nunca sueltan, y es ese mundo lo que retratan, esa ingenuidad mezclada con los temores típicos de la niñez.

Les comparto un anécdota: Hace un año, en uno de los parques más grandes de la ciudad de México, un bello pulmón, dentro de una ciudad con grandes cantidades de partículas de monóxido de carbono, conocido como Los Viveros, una servidora terminaba su caminata mañanera, sudada y con esa relajación y plenitud que da una jornada de ejercicio, las endorfinas necesarias para sentirse lo suficientemente feliz durante un día. Me detuve para el estiramiento de mis pequeñas extremidades, al tiempo que observaba a un hombre como de unos 45 años, delgado no muy alto, quien se iba quitando su ropa hasta quedar con la necesaria, y así dar comienzo con sus posturas de yoga. Estaba enfrente de mí, pero él estaba de espaldas. Comenzó primeramente con su postura de flor de Lotto, le iba quedando bien, de pronto una amistosa ardilla se iba acercando a su mochila, él seguía con lo suyo, lo que le daba a la ardilla más tiempo para acercarse y hurgar dentro. El hombre volteaba, la ardilla se acercaba, el tipo la alejaba con su mano, hacía sonidos de que se fuera, y cuando de nuevo ‘lograba’ su anhelada concentración, de nuevo la ardilla hacía de las suyas, quería introducirse en la mochila, seguramente olisqueaba un posible almuerzo. Tras varios intentos de la ardilla, la cara del ‘yogui’ se iba desconfigurando hasta alcanzar un rostro monstruoso. El desenlace fue de lo más predecible: El hombre frustrado, se fue. La pobre ardilla se quedó sin víveres en Los Viveros.

¿Y si ese hombre tan espiritual le hubiera compartido de su comida a la ardilla?, ¿Qué hubiera pasado? Quizás la ardilla se hubiera ido contenta a disfrutar su comida por ahí, y lo hubiera dejado en santa paz, o no, no se sabe. ¿Y si alguien quiere dedicarse a ser misionero, y andar por el mundo, o llevar una vida ascética, o quiere ser artista ‘abandonado’, pero tiene hijos, o una madre enferma, o impuestos atrasados? Aún me sorprende cómo la misma vida nos pone en nuestro lugar, nadie nos salvamos. Cada día me queda más clara una cosa: La vida espiritual no puede entenderse sin la vida material, y viceversa.

Foto: Rogelio Cuéllar

Barry Wolfryd nació en California, pero desde la década de los 70’s decidió probar destino en tierra azteca. “Llegué a México manejando una combi, como un hippie”. Su intención: estudiar artes plásticas, hazaña finalmente lograda primeramente en la Universidad de las Américas, en la ciudad de Puebla, pero que al entrar ésta en huelga, finalmente Wolfryd se lanza a la aventura en San Miguel de Allende, y después en San Luis Potosí. Se asienta en la ciudad de México en 1985, justamente en el año del terremoto más funesto que recordamos los mexicanos, y no sólo eso, Wolfryd había decidido vivir en la colonia Roma, uno de los barrios más afectados por dicho terremoto, que dejó cerca de 10 mil muertos. Es un dato curioso, porque a Wolfryd le ha llamado la atención – conciente o no- la muerte en todas sus etapas como ciudadano estadounidense radicado en México. Ahora Wolfryd retrata otra realidad: Los asesinatos, los secuestros, el narcotráfico.

Que le digan que su obra es catalogada como pop o neo pop no importa demasiado, lo interesante es que Barry Wolfryd ha logrado un lenguaje propio con íconos específicos, como el de los grafittis, los tatuajes de las pandillas, y otros como la lata de Campbell’s, y que gracias a su visión como artista estos símbolos tendrán otra interpretación y un campo universal, esto es, que su obra puede lucir “bonita”, pero requiere ojo crítico. Actualmente trabaja con claroscuros, como cuando vemos una película en blanco y negro; sin embargo, ya sabemos que ni todo lo blanco es totalmente blanco, ni lo negro es totalmente negro.

En su estudio de la colonia Roma, Wolfryd me iba mostrando sus cuadros, la mayoría de formato grande, pero por temor a hacer algún movimiento extraño que tirara alguna pila de éstos, se decidió seguir mirando la obra en su gran pantalla Mac en donde pude observar imágenes desde casi sus inicios a su llegada a México. El paso del tiempo es bien interesante en la obra de cualquier artista, pues hay o muy marcados cambios, o ligeros; en el caso de Wolfryd ha prevalecido el tema de la violencia, pero sin lugar a duda se observa un trazo más maduro y firme, es decir, con más identidad.

Cabe decir que Barry Woldfryd es uno de los artistas con más influencia en la plástica mexicana. Formó su taller New Jersey- Aztec, y para 1998 fundó el espacio experimental Out Gallery, junto con otros como el Salon dés Aztecas, La Zona y La Quiñonera.

Woldfryd comenzará una exposición itinerante titulada Transferencias (cuarenta cuadros al óleo y encáustica), interesante título  para lo que se presenta, pongamos de ejemplo el siguiente cuadro: Una mesa puesta con cubiertos en forma de orejas, dedos, armas y toda la utilería de la delincuencia organizada.

Así fue que ayer, mientras caminaba y pensaba en los cientos de cosas que quiero en esta vida, miré al cielo y dije: “Mándame una señal”, pero las señales no aparecieron enseguida, o quizás sí, pero simplemente NO FUI capaz de observarlas. “Mándame una señal, Señor”…Y nada…y así numerosas veces al día. De pronto, una chiquita de 6 años a bote pronto me dice: “Te quiero más que toda la existencia del universo” (esa criatura es mi hija).

Y como si esto no fuera suficiente, recurrí a más espera. ¡Quiero la señal ya!, y nada; entonces abro mi libro El Secreto (Rhonda Byrne, editorial Urano), y enseguida aparece la frase: “A la gente le sorprende ver cómo encuentro sitios para aparcar. Lo he venido haciendo desde que comprendí El Secreto”. Uff!! Pensé.

¿Qué no es suficiente?

Esta mañana hablo por teléfono con una amiga pintora y me habla de la conexión tan importante del espíritu y la relación que ésta tiene con la parte humana, y me cuenta de cómo ella le pide a los ángeles con mucha fe encontrar lugar para aparcar cuando tiene cita con el médico…¡Bingo!

Los seres humanos pedimos demasiado, y no es imposible, y para lograr los deseos, El Secreto dice: “Nuestra labor como seres humanos es mantener los pensamientos que queremos, tener totalmente claro en nuestra mente lo que queremos, y desde esa base empezar a invocar una de las grandes leyes del Universo: la Ley de la Atracción. Te conviertes en lo que más piensas, pero también atraes lo que más piensas”.

Pero lo más sencillo: Para poder atraer, desde que nos levantamos hasta que nos vamos a la cama, debemos agradecer, agradecer cada cosa que tenemos, cada cosa que nos haga sufrir, y cada cambio, porque es ahí donde comienza la verdadera magia, con un simple Gracias lo estamos diciendo todo. En resumen, todo esto que les comparto es una mezcla de verborrea mental y física que me ha venido agolpando desde hace días, finalmente creo que conocemos muy poco nuestra mente, y es momento de enseñarla a trabajar.

¿Y las señales?

Para ti, en dónde crees que estén depositadas las señales que a diario le pedimos o al Universo, o a Dios.

Wasily Kandinsky, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz, Erich Heckel, Oskar Kokoschka, Emil Nolde, Max Pechstein y Egon Schiele son algunos de los autores que integran esta exposición.

La curaduría me pareció muy interesante, la responsable fue Starr Figura, se dividió en  siete etapas, pero la que más me impactó fueron los grabados dedicados a la guerra, obra de Otto Dix, sobre sus recuerdos, los que tuvo la necesidad de plasmar terminada la Primera Guerra Mundial. En Alemania, el Expresionismo, se organizó principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (fundado en 1905), y Der Blaue Reiter (fundado en 1911).  Cabe mencionar que este movimiento nace a principios del siglo XX, en las ciudades de Dresde, Múnich y Viena, y luego siguió su paso hacia Berlín.

La importancia de los movimientos, como el Expresionismo, era la formación de colectivos artísticos, con mensajes políticos e ideológicos sembrados con uniformidad y hacia un mismo objetivo que era el de ‘mostrar’ la realidad con toda su crudeza y miseria, aunque no necesariamente los artistas estaban reunidos en bohemias reuniones, pero sí se percibía un ambiente artísticos con las mismas inquietudes. Hubo momentos de colorido y de trazos profundos que deseaban ser vivaces; por ejemplo, después de la Primera Guerra Mundial apareció la llamada Nueva Objetividad, que surge como rechazo precisamente al individualismo expresionista, defendiendo un carácter más social del arte, mostrando coloridos intensos, que nos recuerda la primera generación expresionista, como la de Vasily Kandinsky.

Asimismo, también se presenta la exposición del artista noruego Edvard Munch, la cual reúne 26 obras en grabado y técnica mixta, que exploran la personalidad de este artista entorno a la melancólica, el erotismo, las relaciones humanas y la ansiedad. “Su intención era diseccionar almas”, eso pensaba Munch de sí mismo, y eso era el expresionismo.

Todas las piezas forman parte de la colección del MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York). La exposición estará en el Museo del Palacio de Bellas Artes hasta el 2 de septiembre.

 En México, desde el año pasado, se fundó La Escuela Mexicana de Escritores, cuyo slogan es: Aprende a escribir con escritores. Quizá nos hagamos la pregunta: ¿Borges, Paz, Tolstoi, Cortázar, estudiarían en una escuela de escritores?

 En palabras del director de la Escuela Mexicana de Escritores, Eduardo Parra, para ser escritor se debe tener: “Vocación, Talento, Sensibilidad, Conocimiento e Intuición”. Lo interesante de esta lista es que una vez teniendo la vocación, es decir, estar totalmente seguros de ser escritor, el conocimiento se desarrolla a través de la interlocución de maestros-alumnos-experiencia-mundo-vida-madurez; y, con la gran conciencia de la disciplina.

 ¿Y por qué no una escuela? Si pintores, actores y cineastas se han formado con ayuda de grandes maestros. Las aulas siempre son un contenedor de ideas que sube de nivel, sobre todo cuando existen las tablas pertinentes para aprender de los que saben. Leer a los clásicos, a los contemporáneos, a los surrealistas, a los usted quiera sólo es una rebanada del pastel. Si se comparten esas pasiones, se aprende, se cuestiona, se critica, y por tanto, se escribe.

 “No basta con la intuición”, dice Parra. Hallar el conocimiento, hacerlo nuestro, es una gran tarea, que además no se acaba, permanece y se decanta en la obra que los alumnos desean, en su momento, publicar. Hay que ser como los atletas, todos los días, escribir, algo…entonces ya no importa si es en una servilleta, o en un Ipad.

 Esta es la página, para los interesados:   

http://www.escuelamexicanadeescritores.com/